Логин: Пароль:

Государственное Автономное Учреждение "Чеченский Государственный драматический театр имени Героя Советского Союза Ханпаши Нурадилова"

teatr-nuradilova@mail.ru

 
 
 
  ГлавнаяРуководствоВизитная карточкаСтруктураПроектыУстав/положениеДокументыНовостиГалереяВидеогалереяВакансииМы в СМИКонтактыЧастые вопросы (FAQ)Электронная приемнаяНаправления деятельностиОценка качества услугТруппаОфициальная символикаАфишаРепертуарО театреНаграды и премии Доступная средаГосударственная услугаОбращения гражданБилетная кассаПротиводействие коруппции
 

Современная вечность / Всероссийский фестиваль национальных театров «Федерация» (Грозный)

В сентябрьские дни 2019 года в Грозном прошло уникальное событие для всего российского театра - первый Всероссийский фестиваль национальных театров «Федерация». Безусловно, Год театра являлся идеальным периодом для проведения мероприятия такого масштаба, однако была и опасность утонуть, раствориться и стать «одним из многих» в череде важных, значительных и обязательных планов, утвержденных к проведению. Что же делает этот фестиваль особенным, исключительным как в театральной современной жизни, так и в едином культурном пространстве нашей страны?

Прежде всего - Идея. Фестивали национальных театров, проводимые в России, не являются необычным и редким явлением, однако, и большие и малые фестивали: межрегиональные, республиканские и международные форматы до «Федерации» не ставили перед собой задачу (по разным причинам) объединения всех национальных культур, проживающих в России. Предложенная идея имела долгий путь к осуществлению. В качестве главного вдохновителя и практически создателя такого фестиваля стала М.М. Корчак (программный директор фестиваля, зав. кабинетом национальных театров СТД РФ). Несомненно, такой проект не получился бы без участия и огромной поддержки многих творческих деятелей отечественной театральной культуры. И все же, главная поддержка и руководство было со стороны председателя СТД РФ А.А. Калягина, настоявшего на том, чтобы первый фестиваль национальных театров был проведен именно в Грозном.

В основе созданной концепции нет разделения на языковой, религиозный, региональный и какой еще либо географически-этнический признак. Одним из основных условий участия театра является статус профессионального национального театра и исполнение спектаклей на родном (национальном) языке. Таким образом, пространственная и культурная общность как организующий принцип для фестивалей национальных театров уникален сам по себе.

Второе, что делает этот фестиваль особым - возможность увидеть эстетический срез, в чем-то объективную «Картину мира» современного национального театра. Конечно, мы ограничены и количеством спектаклей и временными рамками проведения фестиваля для того, чтобы максимально подробно разглядеть обширный театральный мир разных культур, но ощутить единые тенденции, пути моделирования театральной реальности несомненно можем.

Прежде чем речь пойдет непосредственно о спектаклях, немного статистики: за девять дней фестиваля было показано 14 спектаклей, на двух площадках представившие 12 регионов России: Адыгея, Башкирия, Дагестан, Кабардино-Балкария, Калмыкия, Карелия, Коми, Марий Эл, Татарстан, Хакасия, Чечня, Якутия. Проведено девять мастер-классов и одна лекция. Форма фестиваля не состязательная, с традиционным обсуждением спектаклей. Отбор спектаклей осуществлял экспертный совет, а в качестве жюри выступил совет художественный.

Первым спектаклем в афише фестиваля стал «Сын-медведь» Государственного национального театра Республики Карелия (Петрозаводск) режиссера Вячеслава Полякова. То, что открытие крупного «взрослого» театрального мероприятия было отдано единственному детскому спектаклю (также определяет его и сам театр - «спектакль для детей» по мотивам карельских сказок), во многом символично. Для любого этноса сказка является своеобразной моделью мира, на которую ориентировался человек, но в отличие от мифа, в сказке десакрализованы основные категории: время, пространство, образ героя, его характеристики и т.д. Это позволяет космосу быть для человека, а в нашем случае, для зрителя ближе, магической силе понятней, волшебным героям доступней. Именно так, сохраняя черты сказочности и, в тоже время, простоту повествования, режиссер решает свой спектакль. Несмотря на то, что есть конкретное перечисление действующих лиц (например, сам режиссер исполняет роль Хозяина), актеры являются как бы продолжением друг друга: перепевая, добавляя, подхватывая текст друг друга, они создают единое нерасторжимое игровое пространство. Особенно это выразительно показано в прологе, когда представление героев и зачин происходит сразу на нескольких языках: русском, карельском, финском и вепсском. Идею спектакля удачно поддерживает и лаконичное сценическое оформление (художник Е. Кукушкин): несколько деревянных пней-срубов, шестов и холщовых занавесей создают атмосферу то дома, то леса, то дворца, то дороги, что формирует у зрителя условное восприятие событий и помогает героям в их сказочном пространственном перемещении.

Спектакль «Шен ц1а - ц1ен ц1а!» («Свой дом или дорога домой») по пьесе известного чеченского драматурга, писателя Мусы Ахмадова был представлен хозяевами фестиваля, Чеченским государственным драматическим театром им. Х. Нурадилова в постановке Хавы Ахмадовой, являющейся художественным руководителем театра и директором фестиваля «Федерация». История, жанрово обозначенная как трагикомедия, повествует о судьбе молодого чеченца Кюри (Рамзан Умаев), уехавшего в Париж в поисках новой жизни и попытки обрести себя на чужбине.

Тема «пути домой» наиболее характерна для культур, у которых образ мира формируется пропорционально образу своего родного дома, а точнее, даже своей географической среды, местной природе. Это всегда путь к себе самому, поиск своей идентичности в мире через собственную систему жизненных координат. Особенно остро звучит эта тема сейчас для чеченского народа, имея многих своих соплеменников как беженцев за пределами родного края. Неспроста в качестве одного из способов сценического оформления - видеоинсталляции, образ дома в спектакле показан не через людей и урбанистические пейзажи, а через чеченскую природу. Режиссер Х. Ахмадова вместе с исполнителем главной роли Р. Умаевым выстраивает подробный, а от этого намного более болезненней путь обезличивания героя: потеря паспорта, негативные высказывания о своей Родине, невозможность состояться профессионально как художник. Все постепенно приведет к неминуемой катастрофе - смерти матери и невозможности быть рядом с ней в последние минуты. Это событие является, конечно, ключевым и поворотным моментом и для смыслообразующего мотива спектакля и для психологического образа главного героя, максимально потерявшего свои ориентиры. Практически вся вторая часть спектакля, ритмически более сдержанная и даже степенная, в отличие от первой, посвящена уже поиску себя, постепенному обретению истоков, воспоминанию «кто я» и откуда. Кюри нужно будет время, долгое время для спасения своей души. В спектакле представлена череда действующих лиц, в ролях которых задействована большая часть молодой труппы театра. Уровень актерской подготовленности различен и порой очень не ровен, но молодая энергия и желание донести мысли и чувства до зрителя немного окупают профессиональные погрешности. В связи с этим, как пример высокого актерского мастерства, является работа Бай-Али Вахидова (Юрий Борисович). Точный рисунок, сдержанное внешне, но эмоционально наполненное внутреннее проживание истории своего героя и выполнение на самом деле миссии по спасению души Кюри, безусловно, победа и актера, и спектакля.

Особое внимание на фестивале было посвящено спектаклю Татарского государственного академического театра им. Г. Камала «Взлетел петух на плетень» А. Гилязова в постановке Фарида Бикчантаева. Ученик и последователь своего учителя, Марселя Салимжанова, Бикчантаев уже давно сам стал большим художником, признанным режиссером и глубоким знатоком своей национальной культуры. Встречаясь с творчеством этого режиссера, всегда ожидаешь сильного эмоционального воздействия от предложенной темы, от замысла спектакля, где присутствуют точно выписанные сценические образы. Не стал исключением и представленный спектакль. История о татарской деревне, где поссорились местные «Иван Иванович с Иваном Никифоровичем», прекрасно передает дух и национальный местный колорит. Ф. Бикчантаев, как он сам определил, поначалу применил в работе этюдный метод, но для сохранения сочного и язвительного языка автора стал использовать прием чтения текста «от автора». В результате перед зрителем, практически на краю авансцены создаются фронтально живописные картинки (художник Сергей Скоморохов) из жизни двух семей, сменяя друг друга в стремительном ритме событий, эмоций, переживаний. Как всегда в спектакле у Фарида Бикчантаева замечательно представлены женские образы: Ильсия Тухватуллина (Гульбика), Наиля Гараева (Минниса), Гузел Шакирова (Гульмарьям), Гульчак Гайфетдинова (Вазиля). Живые, плотские, по-хорошему, во всем чрезмерны, каждая из себя представляет яркую индивидуальность, со своей «изюминкой» и в тоже время каждый образ - собирателен и прекрасно всеми узнаваем. Легкость изложения, музыкальность (композитор Эльмир Низамов), с особой атмосферой живого исполнения, пластичность позволяют создателям спектакля говорить с нами о сложном просто, а о вечном доступно.

Фестиваль, посвященный объединению национальных театральных культур, собрал в своей афише спектакли с едиными направлениями, с похожими темами и жанрами. Это естественно, так как помимо закономерного желания любого театра развиваться и быть свободным в современных реалиях нашего времени, так же закономерно для национальных театров искать «корневые» культурные ориентиры, пути осмысления времени и не только того, что впереди, но и конечно, того, что было раньше. Из-за этого театры достаточно часто обращаются к таким жанрам как эпос, притча или героическая драма.

Эпическая форма в театре позволяет преодолеть временные границы между прошлым и настоящим, ощутить мир как космический универсум, в котором обязательно должен быть Герой. Что это за Герой сегодня, каковы его черты и предназначение? Во многом именно такие задачи ставил перед собой художественный руководитель и режиссер-постановщик Борис Манжиев в спектакле «Песнь о Джангаре и его богатырях» Национального драматического театра им. Б. Басангова. Как рассказывал сам режиссер, первое его обращение к эпосу было неудачно, не было понимания цели, «сверхзадачи», понадобилось практически 19 лет, чтобы калмыцкий эпос смыслово открылся и был удачно сценически воплощен. Для этого драматург и историк Михаил Башкиров специально написал пьесу. Режиссер справедливо определяет свой спектакль как «путешествие во времени», образуя эпическим повествованием связь времен, объединяя историческое прошлое и современную действительность в выразительные сценические картины. Монументальность, мощь и мудрая сила, воплощенные в героических образах древности, сменяются резкими, схематичными групповыми танцевальными движениями молодых людей ХХI века. Такое мизансценическое переключение Борис Манжиев совместно с художником Еленой Варовой и режиссером по пластике Айдаром Закировым создает для более острого ощущения быстроты течения времени различных временных пространств. В мире древности калмыцкого народа национальный образ мира у режиссера един, не разъят, в наших реалиях существует человеческая разобщенность и обезличивание народа. Наиболее драматично эта проблематика решена в спектакле через сцену депортации калмыцкого народа в 40-е годы. В мире древности безусловно есть Герой - Джангар (Бюрча Оргадыков), воплощение ума, силы, человеколюбия народа и в наше время - это состояние поиска нового Джангара. Режиссер напряжено ищет ответ на этот вопрос, перебирая разные типажи современного общества и убеждая нас, что, вероятно, не пришло необходимое время для Героя. Только уже в самом финале спектакля один из персонажей из нашей с вами жизни выводит на сцену маленького мальчика, позволяя зрителям самим решить - может быть, это и есть новый Джангар?!

Совсем иное обращение к теме эпоса продемонстрировал на фестивале Национальный музыкально-драматический театр республики Коми, показав спектакль «Биармия». Приглашенный московский режиссер Дмитрий Волков, он же и композитор спектакля, предложил рассказать эпическую историю про царевну Райду в стиле арт-рок мюзикла. «Биармия» считается для народов коми поэтическим эпосом, основанным на мифологии коми и созданным Каллистратом Жаковым в 1916 году. История про любовь князя Яура к прекрасной царевне Райде, из чудо-страны Биармия, предположительно располагавшейся там, где сейчас Коми край. Спектакль соответствует заявленному жанру - динамичен, ритмически стремителен (идет всего час), в музыкальном плане напорист и даже агрессивен, делаем скидку на то, что это рок. Во всем чувствуется, что молодой труппе интересно находиться внутри этого придуманного пространства - не то сказочного, не то реального, не то условного, не то бытового. Много коллективных музыкально-пластических сцен, искренней молодой энергии и азарта. Однако, как я уже отмечала, эпос, это прежде всего героические повествование. В какую бы форму он не был упакован - там есть Герой, и он должен совершить подвиг, которого ждут. Ошибка, на мой взгляд, в том, что за условными сценическими приемами и яркой музыкальной формой режиссер не увидел или не разглядел ни многогранность характера явного Героя - царевны Райды (Тамара Мильгром), ни скрытого Героя, которым является Вэрморт - волшебник, музыкант и чародей (Семен Горчаков). С ними в эпосе связаны основные ключевые события истории, между ними произойдет важный, судьбоносный конфликт из-за сына Яура и Райды, которого Вэрморт заинтригует и сподвигнет на долгий отъезд из дома для познания мира. Для всего этого в спектакле места не хватило. Образ Вэрморта, к сожалению, совсем не решен режиссером и является проходным, от этого важные смыслообразующие точки пропущены, трагизм героини непонятен. Образ Райды хоть и является основным, но решен достаточно однообразно - воинственно и волево, не раскрывая в героини чувственность, мудрость и энергию материнской любви.

Необычный и заслуженно имеющий уже награды и признание стал для фестиваля спектакль «Старик и море» Э. Хэмингуэя, представленный Хакасским национальным драматическим театром им. А.М. Топанова в постановке режиссера Мараса Чеббура. Вероятно, что режиссер соединил в себе и сценариста, и соавтора в сценографии и в музыкальном оформлении, стало огромной удачей для спектакля. Созданная интимность изложения истории об одиночестве, локальность выразительных средств (в центре сцены только каркас лодки), создает внешнюю простоту, строгий визуальный аскетизм, наполненный глубинной сложностью переживаний человека в его отношениях с миром. Неспроста спектакль начинается с символического шаманского камлания на сцене, которое выполняет Вячеслав Албычков (Музыкант). Впоследствии именно аутентичное звучание традиционных хакасских музыкальных инструментов наполнит все театральное пространство ощущением Вечности. Во-первых, это дань своим религиозным корням - шаманизм занимает в хакасской культуре центральное место; во-вторых, выполняя акт очищения места, Музыкант впустит в пространство истинного участника последующего «ритуала-спектакля», Старика в исполнении Виктора Кокова. Наверное, выражу мнение многих участников фестиваля, - актерская работа этого артиста стала одним из сильнейших впечатлений. Свое личностное прочтение хорошо известной истории позволяет Виктору Кокову раскрыть и трагизм человека, осознающего свое полное одиночество и в этом свою незащищенность перед миром, но и обрести знание жизни в ее ложной и истинной сущности.

Совершенно другим по жанру и по форме, но не менее интересным и самобытным стал спектакль Балкарского государственного драматического театра им. К. Кулиева «Дом Бернарды Альбы» Ф. Гарсиа Лорки в постановке главного режиссера театра Магомеда Атмурзаева. Выбирая эту пьесу, театр тем самым всегда транслирует зрителю о наличии сильной и талантливой женской части труппы. Не стал исключением и Балкарский коллектив, продемонстрировав работу замечательного женского ансамбля. События дома Бернарды Альбы перенесены создателями спектакля в условия жизни своей национальной среды, тем самым приблизив историю далекой Испании к своему зрителю. Это помогло раскрыть более глубоко не только бытовой конфликт между основными персонажами, но и поговорить о темах культурно-ментального характера на Кавказе: семейных ценностях, табуированности поведения, традиционных взглядах на любовь и свободу отношений. Строгая графическая работа художника Владимира Баккуева структурирует сценическое пространство, создавая единый визуальный и цветовой мир дома семьи Бернарды. Как уже было отмечено, в спектакле представлен прекрасный женский ансамбль, при этом режиссеру удалось для каждой исполнительницы создать свой выразительный и отличающийся друг от друга образ. Конечно, солирующая партия принадлежит Асият Атмурзаевой, исполнительнице Балдан (так переименовано имя главной героини). Актриса создает характер сильной, бескомпромиссной, уверенной в себе хозяйки дома, но при этом глубоко несчастной и одинокой женщины.

Еще один спектакль, подаривший яркие актерские работы, - постановка Кабардинского государственного театра им. А. Шогенцукова «Орел и Орлица» А. Толстого (режиссер-постановщик, художественный руководитель театра Руслан Фиров). Тема интерпретации истории, анализа своего прошлого и желание сформировать свое личное отношение к дням минувшим побудило Руслана Фирова обратиться к первой части драматической повести «Иван Грозный» А.К. Толстого «Орел и Орлица». Основной сюжет напрямую связан с судьбой народа Кабарды - заключение союза Кабарды и России. На фоне исторических и политических свершений ХVI века разыгрывается история подлинной любви русского царя Ивана Грозного и его второй жены Марии (Гуащэней) Темрюковны, дочери кабардинского князя. Постановка была осуществлена в 2013 году и за свой «сценический век» получила большое количество призов и наград, в том числе и правительственных. Зрелость спектакля, как мне показалось, придала действию ритмическую размеренность и в чем-то неправильную успокоенность, хотелось почувствовать больше динамики, внутреннего напряжения в отношениях столь неоднозначных для истории образов. Безусловно организующим центром стали две ведущие актерские работы: Басир Шибзухов (Царь Иван Васильевич) и Жанна Тхашугоева (Царица Мария Темрюкова). Проводя основную линию - образа царя-мужчины, царя-человека чувствующего, Басир Шибзухов раскрывает в своем персонаже совершенно неожиданные качества, с которыми мы, живущие в ХХI веке, не привыкли соотносить Ивана Грозного. Актер присваивает себе эту личность, оживляет ее, предлагая нам, зрителям, ему сопереживать. В это актерское партнерство включается Жанна Тхашугоева, дополняя дуэт не только прекрасными фактурными данными, но и созданием своего отношения к образу умной, волевой девушки, совсем еще юной, но достойно представляющий свой народ.

Один из перечисленных национальных регионов - Башкирия - имел возможность представить на фестиваль два спектакля: Башкирский Академический театр драмы им. Мажита Гафури привез бестселлер прошлого сезона и лауреата «Золотой Маски» «Зулейха открывает глаза» (инсценировка Я. Пулинович) в постановке главного режиссера Айрата Абушахманова и спектакль Альметьевского театра «Лекарь поневоле» Ж.Б. Мольера (режиссер-постановщик Елена Кузина).

Спектакль Айрата Абушахманова был на фестивале безусловно ожидаем как профессиональным сообществом, так и гостями, успех и признание, участие во многих российских фестивалях, лауреатство основной Российской театральной премии - все это в значительно степени создало миф о спектакле еще до того, как он был представлен грозненской публике. Постановка по не менее нашумевшему роману Гузель Яхиной стала сенсационной по многим причинам, о которых уже не раз писали и театральные и литературные критики. Режиссер вместе с художником-постановщиком Альбертом Нестеровым, композитором Ильшат Яхиным и участниками спектакля создали пронзительно сильное высказывание о своей истории, об истории нашей страны, о каждом из нас, переплетая в сознании темы этническо-национального характера, политическо-идеологические, нравственно-морального порядка. Такой объем позволил режиссеру придать спектаклю характер эпичности и даже создать мифологизацию отдельных тем, как, например, образ татарской семьи главной героини Зулейхи или же рождение сына. Неординарность и самобытность режиссерского почерка Айрата Абушахманова совершенно очевидна, что побуждает пристально следить за его творческой судьбой.

Спектакль «Лекарь поневоле» Ж.Б. Мольера, привезенный театральным коллективом из Альметьевска, оставил в отличие от большинства других спектаклей-участников неоднозначное впечатление. Как мне представляется, проблема с неудачной презентацией спектакля связана в первую очередь с неверно выбранным проектом для программы фестиваля «Федерация». Каждый спектакль, независимо от формы, жанра и стиля представлял собой личностное художественное высказывание на тему истории своего народа, своей национальной идентичности и культурной самобытности. В случае со спектаклем из Альметьевска сложность заключалась в неясности послания: кому и зачем было адресовано это высказывание. Возникло немало вопросов и к эстетической стороне постановки. Приглашенный режиссер Елена Кузина, рассказывая о своем опыте работы в Альметьевском театре, определила постановочные приемы, в которых создавался спектакль, упомянув и школу Жака Лекока, и маски комедии дель арте, и буффонаду, и клоунаду. К большому огорчению, ни один стиль актерами не был доведен до чистоты исполнения и должного уровня профессионального мастерства.

Лакский государственный музыкально-драматический театр им. Э. Капиева представил на суд зрителя музыкальную драму Абасила Магомеда «Камалил Башир» в постановке Мусы Оздоева и Аслана Магомедова. Идея спектакля строится на сюжете народной поэмы об истории поэта-лирика Камила Башира, посмевшего пойти против феодальных моральных устоев мужского сообщества и выразить отношение к женщине как к личности, достойной уважения и преклонения перед ее умом и духовной красотой. Спектакль «большой формы», в котором визуально задействована практически вся труппа, насыщен массовыми сценами, образами благородных героев, красивыми женщинами, непримиримыми врагами. Современная хореография и национальные танцевальные композиции органично вписываются в символическую сценографию, придуманную художником-постановщиком Ибрагимом Халил Супьяновым. Особенно сильное впечатление остается от музыкальной фактуры спектакля (композитор Ширвани Чалаев). Использование широкого диапазона песенного национального фольклора: и запевы, и лирические песни, и скорбные песни, и героико-исторические, перепевы и сольные партии демонстрируют, во-первых, прекрасные вокальные данные артистов и во-вторых, создают особую индивидуальную музыкальную эмблематику спектакля. «Камалил Башир» производит ощущение объемного, значительного художественного явления как для самого лакского театра, так и для всей театральной культуры Дагестана.

Обращение к сказочной теме на фестивале было представлено еще в одном спектакле - «Кто вернет солнце» по пьесе А.Н. Островского «Снегурочка» Марийского национального театра драмы имени М. Шкетана в постановке художественного руководителя Василия Пектеева. Театр в качестве своего национально-художественного концепта для фестиваля выбрал, наверное, самую необычную пьесу А.Н. Островского. Весенняя сказка в 4-х действиях с прологом, как определил жанр сам автор, была представлена как веселое, жизнерадостное, энергичное зрелище (определение театра), стилево сочетая русскую сказку, традиции народных марийских фольклорных зрелищ, игрищ и обрядов. В спектакле много танцев, хороводов, больших коллективных сцен. От этого есть легкость восприятия и живость меняющихся картин. Видно, что труппа театра молодая, и желающая работать, открыта к любым предложением режиссера и готова их воплощать с энтузиазмом. Однако, как мне показалось, сказочность как форма сильно увлекла режиссера и не позволила в полной мере раскрыть поэтичность и особую трагичность пьесы. Не показано противопоставление героинь, Купавы и Снегурочки, их различие в мироощущении и ценности жизни. Не хватило времени или возможностей раскрыть шире тему семьи, важнейший образ и в фольклористике, и в русской драматургии.

Особое театральное впечатление подарил всем зрителям Национальный театр республики Адыгея, представив на фестиваль спектакль «Кавказский меловой круг» Б. Брехта в постановке режиссера, художественного руководителя театра Касея Хачегогу. Сразу стоит оговориться, что тот краткий обзор, который возможен в рамках статьи о спектакле, не передает объем и глубину увиденного. Брехт достаточно популярен в репертуаре национальных театров, существует даже театральный фестиваль, проводимый в Майкопе с одноименным названием брехтовской пьесы. Такой феномен драматургии Б. Брехта понятен - сам немецкий классик говорил: «Пьеса «Кавказский меловой круг» является по настоящему репертуарной пьесой, то есть пьесой, которую можно ставить почти всегда, потому что у нее очень широкая тема и она дает театрам возможность проявить самые широкие художественные способности». Драматургия Брехта позволяет, особенно театрам с национальным характером, говорить эпическим языком о своих беспокойствах, надеждах, ожиданиях, вере и предназначении в сегодняшнем дне. Таким и стал спектакль, поставленный известным режиссером Касеем Хачегогу. Самобытное, высокохудожественное сценическое пространство, созданное художником-постановщиком Рамазаном Сиюховым, создает символический макрокосм с вращающимся в центре вечным кругом-колесом жизни. Все события будут так или иначе проходить через эту центровую точку, являясь мерилом действия людей. Только главные герои: рассказчик-солдат и Груше то выходят прямо на авансцену, беспокойно делясь своим чувственным миром со зрителем, то бесконечно шагая по бокам сцены, создают ощущение вечного пути. Это был единственный спектакль на фестивале, который исполнялся на двух языках, включая русский, что по мнению создателей «привносит в спектакль объединяющий созидательный характер и является общественным и политически значимым в деле единения народов многонациональной России».

Логичным, сознательным и в этой идее удачным закрытием фестиваля «Федерация» стал легендарный спектакль «Желанный голубой берег мой...» по мотивам повести Ч. Айтматова «Пегий пес, бегущий краем моря» в постановке режиссера, художественного руководителя Саха академического театра имени П. Ойунского Андрея Борисова. Режиссер, возродивший много лет назад якутский эпический театр, разработав собственную театральную эстетическую концепцию и создав театр «Олонхо», в основу которого положена философия якутского национального эпоса, является сегодня одним из главных сподвижников развития и сохранения национального театра. Но не как этнографического искусства, а как живого, постоянно совершенствующегося, синтезируя различные направления и методы современного театра, при главном условии - быть верным своим истокам и своей традиционной культуре. Спектакль ««Желанный голубой берег мой...» уже давно является классикой мирового театра и идеальным примером театральной всемирности. Несмотря на многие десятилетия своей жизни, эта постановка сохраняет в себе поэтический образ мира, в котором мы живем, и истинное знание о человеке.

Конечно, фестиваль не ограничивался только спектаклями, были интереснейшие мастер-классы ведущих российских режиссеров, встречи со студентами, встречи на высшем уровне - с главой Чеченской Республики, героем России Р.А. Кадыровым, с министром культуры Чеченской республики Х.-Б.Б. Дааевым, с председателем СТД РФ А.А. Калягиным, встречи с коллективами театров и обсуждение спектаклей. Самое главное - было много общения: человеческого, профессионального, дружеского. Атмосфера созданного театрального праздника в Грозном позволила поделиться друг с другом своим культурным и профессиональным опытом, сравнивая наши мировоззрения, определяя общности и отличия в которых мы вместе живем. Итогом такого театрального марафона стало решение проводить Всероссийский фестиваль национальных театров «Федерация» в Грозном ежегодно.

Фотогалерея

   

Выпуск №5-225/2020Страстной бульвар, 10

Статья в PDF



Приложение: Скачать